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西安美术学院鲁迅美术学院中国人物画工作室人物画教学座谈会（二）
回过头来说学习传统，传统它不是一种狭隘的样式，学习传统是不是应该越过这个表面学习更本质、更深层次的东西，我们学习传统的目的是什么，是不是一定要像保护文物一样的去做呢。其实我们学习传统的目的最终还是要说我们自己的话。像古代中国画、像唐诗，，传达的是那个时代，那个时候的人的思想、感情等等，它的形式和内容是紧密结合在一起的。我就想今天的人、我们，应该怎么样来说我们自己的话、来画我们自己的画?
赵老师在06年写了一本长篇散文《最后眼睛总是湿的》，这里面他以一种散文的形式谈到很多艺术观点，其中有一段，就是谈宋人花鸟，我觉得写的非常精彩，他说怎么读宋画，谁都知道好，具体好在哪里?精彩之处在哪里?那就是画的仔细，仔细到什么程度?一只小鸟含着一个果实，那么它的嘴张开的角度恰如其分，刚好能够把果实的重量给含住。雪压在芦苇的叶子上，不是一片一片堆在那里，而是一粒一粒非常松软堆在叶子上，你能够感觉到非常轻的重量，也就是说把形象能够画到这个仔细的程度，虽然古代我们没有写生的这个传统，但是古人是带着一种理解，非常深入的仔细的去观察对象，而不是去炫耀自己，我的技术怎么怎么样，如何如何高超，我的个性如何，比如林椿的《果熟来禽图》，和崔白的《双喜图》非常经典，但是两者的语言样式上差异不大。我们现在这个时代标榜个性、追求个性，每一个人都希望有一套与众不同的样式，这一点是不是有问题?我想如果看看古代绘画就会有一点感悟，他们的画都作为经典留下来的，留下来的原因不在于他们跟别人的样式不一样，也不在于新材料、新技法，有的甚至可以说没有突出的个性面貌。原因真相反，恰恰在于共性，在于他们表达的内容，表达的内容都深入到这个程度，才感动了生活在一千多年之后的我们。让今天的人看了他的画仍然非常的感动，仍然觉得非常好。我们思考这种共性的东西是怎样达到的，从中是否我们可以寻求一种方式，可以使我们的绘画行为落到实处。我想，恐怕就是从对象中来，尊重对象，去深入的观察、感受、刻划它，也许他们的画的并不是最仔细的，现在随便一个画老虎的画家拿出来都能比崔白画的兔子更细，“丝毛”的技术更高。但是画画不是做活儿，不是比功夫，比谁的技法更精良，这个是值得我们思考的问题。这种方式就是写生。所以我们工作室提倡写生，不是说它是一个基础课，不是本科我们解决好了这个基础，那么研究生就可以不写生了。我们可以随便的发挥个性呢?不是的，我们提倡的写生，就像和尚念经一样是一种修行的方式，是需要你一辈子去做的事情。通过这种方式，长时间的训练，磨练作为艺术家的敏感，感受力、观察力，还有手头的能力。
我们有这样一个教学思想的指导，教学就有了依据和方向。比如我们上工笔写生课的时候，前四周用来画稿子，有的同学开始也是，用了两三天的时间画完了，画不进去了，剩下的四周时间怎么办?也就是说我们这个训练目的是什么?就是一个模特，你深入的去观察，同样是画一个女青年，那么她的手你去观察，是整天劳作的一双手，还是整天不干活，养尊处优的一双手，肯定是有区别的，不是泛泛的去画，比例、大小都没有明显的错误，是不是我这个写实功夫很好了，我画这个画就可以了，在我们的教学要求里这是远远不够的。其实这一点不在我们宋画传统里面有，在西方的优秀作品里面同样是有的。赵老师也讲了，我们的营养不仅来自于中国画传统，整个人类精神文明的艺术遗产，我们都要吸收。像米开朗基罗、罗丹的雕塑找老师也非常喜欢，经常给我们讲的。比如像梵高的画，梵高画的一双鞋，是人穿过的鞋子，还是一双新鞋子，你一看能看得出来，看得出是一个劳动人穿过的变了形的鞋子，他包含感情画的这双鞋子动人之处可能就在于此。所以说这是我们课堂或者说赵老师工作室一个教学理念，写生是作为一辈子的功课，通过写生解决问题，创作和写生是一体的。这是我在工作室的一点体会，谢谢大家!
陈国勇：这位老师讲的有一点小小的误导，因为作为教师要启迪，要做的很好。我看这位老师，她的画很一般，第一没有个性，还有一个她的发言有误导。误导在哪里?她不追求个性，她觉得只要是传下来的，都是好的。这个不是的，凡是能传下来的精品，它还是有创造性的，历史上凡是有创造性的艺术家才可以留下来。你的画没有个性，所以作为一个老师教教技法还可以，但是如果你想要培养真正的艺术家，有一些东西不能这样教，教了以后会误人子弟。
我们应该鼓励他们。研究生跟大学生不一样，在研究生阶段，因为我是从研究生过来的，我们追寻自己的梦，不受任何世界影响，完全是在想象的空间当中。那是78年，改革开放刚刚开始，我们那个时候的人物画、山水画、花鸟画、还有油画、版画等十个研究生经常在一起讨论、批评，经常互相争论地很激烈，晚上还在一块喝酒。就是尽量培养个性。不能像温开水。古人讲的“法无定法是为大法”，没有法的时候才是最好的法，这是《石涛画语录》里的。所以我们应该是将中国传统最高的顶峰进行研究和分析，不能停留在一般的状态下。
你们有几个同学还是画的不错的，但还是不够。我希望看到你们更加强烈的。因为艺术这个东西，在国画追求当中要走极端，走极致，笔墨要走极致，要达到经典的高度，而且应该是流淌出来的;是将中国传统文化吸收到骨子里面，强调经典，经典是有个性的。
中国画有三大主题必须要突破：第一个它有精神的东西，强调发明意境，不是眼睛看到的东西，比如有时是狂风暴雨，有时是晚上，是那种意境，是精神的东西。还有笔墨，笔墨要和古人比美，就是说你要站在跟古人同一个档次上。她的画我看了，她可以和何家英比美，但是何家英创造出一种风格，而她没有。有些事情我是实话实说，今天是面对面的讨论。第三个是个人风格，个人风格融入到笔墨当中，融入到你的艺术创作当中。所以我们觉得不论是当老师的也好，还是一般的画家也好，你必须要追求这个高度，这个是我们奋斗的方向。所以我刚才觉得她的发言有一点误导。应该鼓励学生对创造性的追求，这样才可能达到高峰，否则的话不行。研究生和大学本科不一样，我们现在大学本科一二三年级基本都是学习传统，体验生活。但是到研究生这个阶段不应该是这样的，应该把每一个研究生主动追寻的欲望调动起来，进行自我的创造，创造一些自己认为是好的，别人也认为是好的作品。这是一个研讨会，所以我们实话实说。
李宁 ：我必须承认我自己的画确实非常不成熟，大家也都看到了，我们的展览重在教学的过程，不在于展示精品，很多作品也不是没有缺点和瑕疵。但是我刚才讲的意思，是谈赵老师工作室的教学思想，提出写生是给大家一个方式，并不是说鼓励大家不要个性，相反是鼓励个性，大家通过写生的方式寻求各自的语言。追求个性没错，但不是嘴说说这么简单，画画还的落到实际行为中去。老师还得教学，不能老师什么样儿，学生都画什么样吧。当然，任何艺术家到了一定的水平，一定的程度，他一定是有非常鲜明的个性，这是毋庸置疑的，但这个个性不等于样式，我想。但是我不讲别人，自己还是在路上，在这个过程当中。就说这么多，谢谢。
贺丹：今天这个研讨会，是我参加研究会当中比较让我感到满意的一个。我想这是我们学校跟鲁迅美术学院的国画的交流、碰撞和沟通，我也希望下次版画、油画等学科能有这样的交流，碰撞和沟通。我们今天看到的是赵老师他们教学的一个分阶段的展览。很细、很好的体现了教学的过程，是一个分阶段的、纯教学的展览，对我们的学生有帮助，对我们的老师也很有帮助。我们学校也会准备我们学校的展览到鲁美去，像这位老师说的，我们也是抱着交流的态度，使我们两个学校更近，争取在教学上做的更好。我们也力求在本科生跟研究生的衔接关系上做的更好，使得学生在读研究生的时候不至于浪费时间。
姜怡翔：我再说两句，今天这个研讨会，说实话我还没有经历过，借用郎少君的一句话就是“有话好说”。这次这个研讨会，就是因为有这些非常严肃、非常学术性的这么一些作品，才引发了这么严肃的话题和讨论。所以我感觉这种性质的学术活动，还是要多办，而且像这种层次的作品和展览，我们还是要多邀请。
话不说不明，每一种追求，每一种画法，包括每一种美学思想，都有一定的相对性，都要有相对地强调和削弱。但是实际上在整个美术发展大潮中，任何因素都是不能欠缺的，只是你强调哪一点或者是削弱哪一点，这是发展的必然。比如说关于对写生的重视情况，我听李宁老师说，你们一二年级全部是画写生，而且是对模特写生。从作品上也能看出来，确实是由于长期的写生，所以对于人物的塑造和刻画很深入。我一开始讲时候就谈到这个感受，这个感受就是强调写生、强调生活、强调体会、强调真实。所以这些画不简单，有内容。这是我们应该学习的。但是比如说陈国勇的山水工作室，他们同样是强调写生，目的是一样的。因为山水画面对的是大山大水，所以他也强调需要不停地出去写生，也是画真山、真水。虽然描绘的对象不同，但是我们在对艺术本质的追求上，有异曲同工之处。今天上午在工作室，有一个学生向陈老师提了一个看似很简单，其实很难的问题，“为什么要画山水画?”实际上这个问题就是：你为什么要画画?只要你画画，山水可以表达你的情感你就画山水，人物可以表达你的情感你就画人物，你在山水里面点了一个人物，那就表达了在山水里面点了一个人物这种情感，根据不同的需要就产生不同的一些东西。为什么要画山水呢?因为大千世界什么都有，所以就有画山水的，有画草虫的，有画鬼怪神灵的……实际上这是一个不是问题的问题，也是一个值得研究的问题。这个看起来简单，实际上真的没有人这样问，等于说是1+2为什么等于3，这个还真复杂，这就是艺术的魅力，也是这次研讨会上真正的价值。
今天可能有时候的谈话直接对人了，比如说陈国勇老师对李宁老师，实际上是对画，我们是在进行学术讨论，所以我想这种气氛是友善的，而且也是很严肃的，学术讨论就需要“百家争鸣”。赵老师那面有他们的优点，而且优点越突出就越有人从另外一个方面说你的不足。包括陈老师也是一样，另外一些人也觉得有不同的看法。这就是高度，高度有亮面，也有暗面……比如山水，李可染就把暗面做足了，咱们一般人做的是亮面，所以个人有个人的看法，各人有个人的高招。我希望我们以后多做这样的学术交流。特别是这个展览，我是提点意见，咱们这个展览馆像这种邀请展还是要多做。那些会误导学生眼睛的展览要少做，那种展览的研讨会大家都做的很高兴，因为人家来的人也希望你说的很高兴，回去好在书的前言上把它写上。但是那些展览确实对学生、对教学的意义不大，所以像这种展览要多搞。
贺丹：这个展览非常好，对我们的教学也是一个提醒，因为像这种分阶段的展览我们很少做，也对每一个系将来怎么做教学展览，提供了很好的参照。今天通过这么严肃的一个纯教学学术的座谈，我们都能够有一个互相了解，我们都面对一些很共通的问题，怎么样把这些问题在我们的教学中解决好。比如刚才说的本科生和研究生的问题，这个问题怎么解决，面对现在这些情况，学生这么多，我们应该怎么去教。刚才我和杨院长说了，我们每一个老师都发言了，这种研讨会我想在学校里面应该多举办。
下面请杨院长谈一谈。
杨晓阳：我有事情来晚了，对不起大家。这个展览是赵奇先生工作室几年来辛勤工作的成果，我认识赵奇15年了吧，自从我当院长就开始挖赵奇，一直挖到现在也挖不动。赵奇在中国当代人物画上有自己的一套办法。
我觉得国画好像比较适合做工作室，因为国画要学的东西很多，学到一定程度，如果进不了工作室，有可能学地很泛泛，学了一个很大的基础，最后学不到东西。出来了以后，什么画法都知道，当一个普及美术的教师不错，因为各家各派都接触一下，东西美术史都了解了一遍，这样给不画画的人普及美术可能比较好。但是作为最后要提高、要创作，要创作出有一定分量、有影响、在历史上可以留下来的作品，如果只停留在对一般的画法了解的层面上是不够的。我觉得在历史上好像这种名师亲授少不了，所以赵奇这个工作室的作品一摆出来，马上给人的感觉是一个有非常明确的取向，非常扎实的过程，非常整齐的作业。我们要提倡这种作风，提倡这种学风。而且有多少老师能够像赵奇这样负责任的，对每一个学生都认真的对待。他们在教学上显然是有要求的，如果没有要求肯定要画成现在流行的样式。说到流行，我觉得首先应该有一个前提，就是先创造了一个样式，被大家认可、被大家追捧，最后流行起来，一旦流行肯定就成为像现在的工业产品那样不断地被复制，我想只要流行就已经沦落到一个低档的市场了，如果不流行，就还有可能是一个好东西。
我这十年来，我主张“大写意”，这经常给人一种错觉，认为“大写意”是一种写意的画法，只要不是宣纸、大毛笔头就不是“大写意”。昨天在干部会议上，我专门反复地强调这个东西。我说写意要有意，没有意就不是写意，不要看笔头大小，不要看生宣、熟宣，也不要看是油画、国画。写意就是写意，不写意就是不写意。凡是书院门临摹齐白石的作品都不是写意，它叫临摹品。我个人以为，这个写实手法跟写意的主张完全可以统一。中国画讲究意在笔先，凡是有意在笔先的，无论你大笔头、小笔头都是写意，不写意就不是艺术作品。凡是临摹就有两种，一种是临摹齐白石的大笔头这样的，自认为是写意，还有一种是画照片，我觉得画照片和画齐白石的画法，这同样都是无“意”之作，同样都不是艺术作品，都不是我们要的东西。所以赵奇这个工作室，无论大笔、小笔，无论是水墨、工笔，我觉得他们的追求是深入地表现自己面对的对象，无论从形象、形式，从画法、步骤，我觉得都是实实在在一步一个脚印的走，当然有一些学生的作品跟在座几位老师的作品相比，距离是很大的，而几位老师的作品和赵奇老师本人的作品相比，距离也是很大的。不是说摆在这里的作品就是赵老师要求的最高水平，显然不是。这是赵老师的要求，但是赵老师的最低要求。所以我以为这些作品在赵奇的教学体系里面，它是一个最低要求，如果看成最高要求，那是一种误解。因为赵奇本人的作品和成就已经给我们一个很深的印象，所以我觉得这个展览是一个个性很强，追求非常明确的展览，是一个很好的教学展览，实实在在展现了教学的过程。这个追求我觉得是一个过程。
我昨天收到赵奇两本书，一个相当于一个小说，但是好像不是小说;一个相当于一个诗集，但是我也从来没有见过这样的诗集。像小说的这本书，他是随时随地把他自己想到的，好像范围不大的事情反复的讲，讲的比较具体。那本诗集，每一页好像都是两三行，每一行都是五六个字之内，有的是一个字，有的是三个字……这个反差非常大，一本书是讲他周围琐碎的事情，他不断的对周围的事情发出自己的一些想法，把自己的感想，把自己看见的东西的感悟写出来;另外一本是相当于一个意识流，是随时随地的情绪，没有情节，没有背景，也没有事物，往往是东拉西扯……所以我想这么写实的一个人，能写出这么一个意识流的诗集，那就是说用最写实的方法也能画出最写意的画面。比如达利就是这样的，他也讲究体积、光线、透视、结构，但是他显然是一个现代派大师，不是一个古典大师。这个又回到我刚才的那个话题，艺术不写意不能算艺术，但是写意有多种方法。有的可能是写实画法，但也照样是写意画，有的可能是水墨淋漓，但也可能是无“意”可谈。
所以我觉得赵奇带来的这个展览，他们的追求很明确，我们可以借鉴，我们老师不必要去模仿。但是如果我们画的很杂，把古今中外的画法都过一遍，那出去也只能当一个普及美术的教师。如果说每一个工作室都有自己的特色，那么若干个工作室有可能有若干个特色。现在中国美术界流行一种……比如说人物画，流行一种好像叫做写意画，但是水墨却根本不写意的人物画。这种画流行的面非常广，大家都以为那是最好的画。最流行的、最受欢迎的画，是画商画的画，那叫商品画。那就像是从一棵大树上已经开败的花，落在地上，踩在泥里的东西。很多人都把画面画的很美、画的很细，赵奇的画画的很大，但是仔细看画的并不细，他画的非常的概括，但是你远看却又非常地丰富。我觉得这种矛盾，在教学实践当中，以及在艺术创作当中一定会有的。就是写意的主张和写实的画法，它不是一回事，可往往又是一对矛盾。这个展览总的来讲，我觉得它会带给我们很多思考，给我们一种参照，我觉得这个展览很成功。赵奇这么多年潜心教学研究我觉得很有成就，向赵奇学习。我就讲这么几句，谢谢大家。
赵奇：这次到西安来，我觉得收获非常大。这个展览的目的就是一个交流，把我们的课堂，把我们的教学的情况拿过来，希望听听各位老师的意见。当然因为这个是一个学校，这种交流是很有学术的层面，应该在学术的基础上，我们坐下来研讨，这一点非常重要。之所以我们能坐在这里就是因为这是一个学校，不是社会，不是一个随随便便的地方。
我相信艺术作品应该是很客观的东西。我记得艾略特说的关于对艺术作品的评价，他认为艺术作品最后所关心的东西一定是一个共同的东西。所以我这次非常感谢西安美院，因为杨院长也说了，我们这么多年的交往，彼此非常的信任。而且我听各位老师的讲话，也觉得很受启发。我们来也是为了调整我们以后的教学。西安美院各系，像国、版、油、雕我们都去看了，我想目的就是为了学习。实际上像刚才那位李老师讲的，我在课堂上为什么不带范画?我认为我们应该放一些比较经典的东西;如果近代一点，比如蒋兆和先生、黄胄先生、刘文西先生;再近一点，我们一般都不放。现在有一些作品，可能有待于在历史里看，那些东西学生自己可以去选择。因为现在鱼龙混杂，社会上应该说江湖气很浓。学校的教师确实应该有一些担当和责任，就是因为他是一个教师。谢谢大家。
贺丹：这次展览以及这次研讨会都给了我们很多启示。感谢赵奇老师，也感谢在座的老师和同学们。
今天研讨会的记录我们会放到我们的教学简报上。谢谢大家。
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